MA DÉMARCHE ARTISTIQUE, MA SYMBOLIQUE, MA PHILOSOPHIE ET MA TECHNIQUE

ENRIC AROMÍ-MASRIERA

Entre le visible et l'invisible

Mon travail explore le territoire incertain où le corps humain rencontre la nature, la mémoire, le symbolisme et la transformation.

Je travaille principalement avec la peinture, le dessin, le collage et les techniques mixtes pour créer des figures à la frontière du réel et du rêve. Il m'arrive cependant d'être poussée à explorer la sculpture et la littérature.

Mes images sont peuplées de corps qui se fragmentent, fusionnent, disparaissent ou s'entremêlent avec des œufs, des fleurs, des coquillages, des poissons, des oiseaux, des pieuvres, des fourmis, des abeilles, du lait, du miel…

Ces éléments ne sont pas simplement décoratifs ; ils fonctionnent comme des symboles d'identité, de vulnérabilité, de conscience, d'instinct et de changement.

Je m’intéresse au corps comme seuil : une surface visible à travers laquelle se déroulent des expériences invisibles. Dans mon travail, la figure humaine n’est jamais totalement statique.

Elle se transforme sans cesse en autre chose : quelque chose de plus fragile, de plus mystérieux ou de plus profondément lié au monde naturel.

Mes peintures invitent le spectateur à ralentir, à regarder au-delà des apparences et à entrer dans un espace où la beauté peut contenir un malaise, la vulnérabilité peut exprimer la force et l'identité peut rester ouverte.

SUR MOI

Ma carrière artistique

Je suis une artiste plasticienne née en Catalogne, près de Barcelone, dont le travail explore la frontière entre la forme humaine et le surréalisme.

J'ai toujours été attirée par les images qui recèlent plusieurs réalités à la fois : le visible et l'invisible, le physique et le psychologique, l'intime et l'universel. Ma pratique artistique est née du désir d'explorer ces contradictions à travers le corps, le monde naturel et la matière même de l'œuvre.

Mon travail intègre aquarelle, acrylique, encre, graphite, cire, aérographe, encaustique, peinture en aérosol, collage et techniques mixtes, incluant parfois une technique que j'ai inventée en 2001, appelée « Gelopaint », inspirée des gélatines chromatiques de la photographie argentique. J'utilise ces différentes approches non pas comme des catégories séparées, mais comme des langages complémentaires. Chaque technique me permet d'explorer une dimension différente de l'expérience : précision, atmosphère, érosion, transparence, densité ou mouvement.

La figure humaine demeure centrale dans ma pratique. Cependant, je ne l'aborde pas comme une forme figée ou définitive. Le corps est un territoire de mémoire et de transformation. Il peut devenir un paysage, une coquille, une fleur, une pieuvre, un poisson, un fragment, ou une ouverture sur un monde intérieur inconnu.

Ayant grandi en Catalogne, j'ai baigné dans une riche tradition artistique, tant sociale que familiale, où le corps, le symbolisme, la spiritualité et la matérialité ont toujours occupé une place prépondérante. Mon travail s'inscrit dans ces traditions tout en s'orientant vers un langage visuel contemporain marqué par le surréalisme, les techniques mixtes, le symbolisme psychologique et les possibilités expressives de la texture.

Je crée des images délibérément ouvertes à l'interprétation. Je ne souhaite pas tout révéler à l'intérieur du cadre. Je préfère laisser place à l'ambiguïté, car elle permet au spectateur d'explorer l'œuvre et de la relier à ses propres souvenirs, émotions et interrogations.

PHILOSOPHIE

Le corps féminin comme seuil

Le corps féminin est le premier territoire que nous habitons et le premier langage à travers lequel nous appréhendons le monde.

Avant de devenir une idée, l'identité est une sensation physique. Nous nous découvrons à travers la peau, le mouvement, la vulnérabilité, le toucher, les limites et le désir. C'est pourquoi le corps, dans mon travail, n'est jamais simplement anatomique ; il porte en lui la mémoire, la tension, le silence, la résistance, la possibilité du changement et de l'évolution.

Mes figures occupent un état intermédiaire. Elles ne sont ni tout à fait réalistes ni complètement imaginaires. Elles sont présentes, mais jamais pleinement accessibles. Leurs visages peuvent paraître cachés, fragmentés, recouverts ou transformés. Leurs corps peuvent se fondre dans des formes organiques ou se dissoudre dans l'atmosphère environnante.

À travers ces images, j'explore l'identité comme quelque chose d'instable et d'évolutif. Je ne crois pas que nous soyons définis par une image unique et immuable de nous-mêmes. Nous sommes façonnés par des strates d'expérience, de souvenirs, de contradictions, de pertes, de désirs et d'imagination.

Réalité et rêve

Le surréalisme me permet de représenter ce qui ne peut être vu directement.

Les éléments impossibles présents dans mes tableaux ne visent pas à fuir la réalité. Ils permettent de révéler des vérités émotionnelles que le réalisme seul ne peut pas toujours exprimer. Un œuf, une coquille d'œuf, une fleur, un oiseau ou une pieuvre peuvent devenir un objet psychologique : une image à travers laquelle le monde intérieur se dévoile.

Mon langage visuel naît de la rencontre entre des formes reconnaissables et des relations impossibles. J'insère des objets familiers dans des contextes inattendus pour en perturber le sens habituel et les ouvrir à de nouvelles interprétations.

La nature et la figure humaine.

La nature apparaît dans mon travail comme une force active, et non comme un simple décor passif.

Les fleurs, les insectes, les poissons, les oiseaux, les œufs, les fruits et la vie marine deviennent des prolongements du corps et de la conscience humains. Ils suggèrent que l'identité humaine n'est pas isolée, mais liée à des systèmes organiques plus vastes.

La pieuvre, par exemple, peut représenter l'intelligence, l'adaptabilité, l'instinct, le mystère, l'inconnu, mais aussi les multiples ramifications de la société contemporaine, avec leurs pinces influentes et constamment agressives. L'œuf peut suggérer l'origine, la fragilité, la nourriture ou le potentiel, mais aussi les commencements, la progression, l'intelligence et la volonté de créer quelque chose de plus grand. Je l'inclus souvent comme une cellule cérébrale primordiale. Les fleurs peuvent évoquer la beauté, le renouveau, la vulnérabilité, mais aussi la fugacité.

Ces symboles n'ont pas de signification fixe. Leur signification varie selon le contexte de chacune de mes œuvres afin de guider l'interprétation de chaque spectateur.

Présence et absence

Je m'intéresse profondément à ce qui est montré et à ce qui reste caché.

Un visage flou, un regard voilé, un corps fragmenté ou une surface fissurée peuvent suggérer l'instabilité de l'identité et de la mémoire. Ce que j'omets ou ce qui manque à l'image est aussi important, sinon plus, que ce qui demeure évident ou visible.

Cette tension entre présence et absence permet à l'œuvre de rester ouverte. Elle crée un espace où le spectateur est invité non seulement à observer, mais aussi à participer, à interpréter, à entrer volontairement dans un monde qu'il n'aurait peut-être jamais exploré par lui-même.

TRAVAIL

Un langage visuel de la transformation

Mon travail s'articule autour de la figure humaine, mais va au-delà du portrait traditionnel.

Je crée des figures qui se situent entre deux états : humain et animal, corps et paysage, réalité et rêve, vulnérabilité et force. Ces transformations ne sont pas de simples expérimentations formelles ; elles reflètent la façon dont l’identité évolue au fil du temps et dont l’expérience intérieure transcende souvent les apparences.

Mes œuvres mêlent la clarté figurative à des ruptures surréalistes. Un visage rendu avec précision peut coexister avec un objet impossible. Un corps réaliste peut émerger d'une surface abîmée ou abstraite. Une expression sereine peut être cernée de symboles qui engendrent l'incertitude.

Ce lien entre précision et ambiguïté est au cœur de ma pratique.

raisons récurrentes

Certains thèmes réapparaissent tout au long de mon œuvre :

• Les œufs et les coquilles d’œufs comme symboles d’origine, de fragilité, de nourriture et de potentiel.

• Les pieuvres comme symboles d'intelligence, d'adaptabilité, de mystère, de profondeur émotionnelle et de manipulation absolue.

• Les fleurs et les pétales comme symboles de beauté, de transformation, de renouveau et d'éphémère.

• Les coquilles d’œufs comme espaces de protection, d’abri, de naissance et d’introspection.

• Le voile et le bandeau comme métaphores de la dissimulation, de la perception, de l'intimité et de la vision altérée.

• Les oiseaux comme symboles de liberté, de communication et d'instinct.

• L’eau et les images marines comme représentations de l’inconscient et de la profondeur émotionnelle.

• Les fissures et les surfaces usées témoignent du passage du temps, de la mémoire et de la résilience.

• Les formes géométriques comme signes de structure, de fragmentation et des systèmes qui façonnent l'identité.

Beauté et agitation

Je m'intéresse au moment où la beauté commence à se transformer en quelque chose de plus complexe.

Une palette de couleurs harmonieuse peut receler un symbole troublant. Une silhouette délicate peut se trouver dans un décor impossible. Une expression sereine peut suggérer une tension intérieure insoluble.

Je ne souhaite pas que mon travail n'offre qu'un simple plaisir visuel. Je veux que la beauté devienne une porte ouverte à la réflexion. La première impression peut être sensuelle, élégante ou onirique, mais elle sous-tend souvent une interrogation sur l'identité, la perception, la mémoire ou la fragilité de l'existence.

Le rôle du spectateur

Je n'ai jamais eu l'intention d'imposer une interprétation unique au spectateur.

Mon intention est de créer des images qui restent vivantes dans l'imaginaire. L'œuvre s'achève par la rencontre entre son langage visuel et l'expérience personnelle du spectateur.

Chacun apporte à l'image un souvenir, une peur, un désir ou une association symbolique différente. C'est pourquoi je crois que l'ambiguïté n'est pas un manque de clarté, mais plutôt une forme de générosité : elle offre au spectateur l'espace nécessaire pour explorer l'œuvre.

SÉRIE

*Mondes connectés

Mes séries ne sont pas des projets isolés. Elles forment une constellation d'idées, de motifs et d'états émotionnels récurrents.

Les mêmes symboles peuvent apparaître dans différentes œuvres, mais leur signification varie selon leur rapport à la figure, à la surface et à l'atmosphère environnante. Un motif répété n'est jamais exactement identique ; il évolue.

*Œuvres figuratives surréalistes

Cet ensemble d'œuvres s'intéresse à la transformation de la figure humaine à travers des éléments symboliques inattendus.

Œufs, oiseaux, pieuvres, coquillages, fleurs et autres formes organiques perturbent le portrait traditionnel et créent un dialogue entre l'humain et l'inconnu.

Des œuvres qui explorent l'identité, la perception, la vulnérabilité et la tension entre le corps que nous reconnaissons et le moi intérieur qui demeure mystérieux.

*L'œuf et la figurine

Dans cet ensemble d'œuvres, l'œuf devient un symbole récurrent de potentialité, d'origine, de fragilité, de nourriture, de transformation, et souvent comme l'implant primordial d'intelligence et de conscience qui nous est accordé à la naissance.

Parfois, elle remplace la tête. Parfois, elle couvre les yeux. Parfois, elle semble se fondre sur le visage ou flotter au-dessus du corps.

En intégrant l'œuf au portrait, je questionne la stabilité de l'identité et le rapport entre pensée, corps et existence matérielle. L'œuf est à la fois quotidien et symbolique, intime et étrange.

*Œuvres marines et poulpes

Les œuvres marines explorent la relation entre le corps humain et les profondeurs de l'inconnu.

La pieuvre apparaît comme une créature intelligente, adaptable, instinctive et mystérieuse, mais aussi, parfois, comme une représentation des éléments sociaux qui façonnent nos vies. Ses tentacules peuvent protéger, dissimuler, étreindre ou envelopper la silhouette. La mer devient une métaphore de l'inconscient : un espace intérieur où pensées, souvenirs et émotions évoluent sous la surface visible.

Ces peintures interrogent la fluidité de l'identité et la possibilité que l'inconnu ne nous soit pas extérieur, mais fasse déjà partie de ce que nous sommes.

Figures voilées et fragmentées

Cette série explore la dissimulation, l'anonymat, la mémoire et l'instabilité du moi visible.

Voiles, bandeaux, traits du visage flous, superpositions géométriques et contours estompés bouleversent la fonction traditionnelle du portrait. La figure demeure reconnaissable, mais l'identité de l'individu n'est jamais pleinement révélée.

Ces œuvres soulèvent des questions sur la part de nous-mêmes que nous choisissons de révéler, celle qui reste cachée aux autres, et sur la possibilité d'une identité sans image fixe. Figures éthérées et atmosphériques

Dans ces œuvres, la figure humaine émerge du brouillard, de l'ombre, de la lumière ou de surfaces abstraites.

Le corps devient moins solide et plus atmosphérique. Il semble exister entre mémoire et présence, rêve et veille, matérialité et disparition.

J'utilise des contours flous et des palettes restreintes pour créer des images qui invitent à une contemplation sereine. Ces œuvres s'attachent moins à la narration qu'à la sensation émotionnelle d'habiter un espace incertain.

Paysages et formes naturelles

Mes paysages et mes œuvres à thèmes naturels développent les préoccupations générales de ma pratique figurative.

Les arbres, l'eau, les fleurs, les formes organiques et les environnements naturels abstraits deviennent des méditations sur le temps, la mémoire, la fragilité et la continuité. La nature est présentée comme une archive vivante : un élément qui conserve les traces de la transformation et perdure à travers le changement.

TECHNIQUE

Matériel comme signification

Ma démarche commence par un intérêt pour la surface du matériau.

J'utilise la peinture acrylique, l'aérographe, la peinture en aérosol, l'aquarelle, le graphite, les encres, le collage et les techniques mixtes. Ces techniques me permettent de naviguer entre contrôle et hasard, précision et érosion, douceur et résistance.

Je ne dissocie pas la technique du sens. Le caractère physique de la surface contribue directement à la dimension émotionnelle et philosophique de chaque œuvre.

Superposition de calques

Je construis mes images en utilisant plusieurs calques.

Certaines couches sont transparentes et atmosphériques. D'autres sont rugueuses, grattées, rayées ou partiellement enlevées. Ce procédé permet à l'image de conserver une dimension historique, comme si elle était constamment construite et remaniée.

La superposition des souvenirs reflète aussi le fonctionnement de la mémoire. Nous ne nous souvenons pas de façon parfaitement ordonnée. Les images se chevauchent, disparaissent, réapparaissent et se modifient au gré du temps et des émotions.

Texture

La texture crée un dialogue entre le visuel et le physique.

Une surface lisse peut suggérer la peau, le silence ou la vulnérabilité. Une surface rugueuse peut évoquer le souvenir, l'érosion ou la résilience. Les fissures et les abrasions brisent l'illusion d'une image stable et rappellent au spectateur que l'œuvre est à la fois représentation et objet.

La surface devient la trace du temps. Elle révèle non seulement ce que représente l'image, mais aussi quelque chose sur sa formation.

Aérographe, aérosols et diffusion

Elles me permettent de créer des transitions fluides, des effets atmosphériques et une impression de dissolution.

J'utilise la diffusion pour estomper la frontière entre la figure et son environnement. Cela donne l'impression que le corps émerge de l'espace environnant ou y retourne.

L'absence de contours définis se prête à une interprétation plus psychologique. La figure n'est pas simplement située dans un environnement physique ; elle semble exister dans un domaine émotionnel ou métaphysique.

Encre, cires et profondeur de surface

L'encre confère une qualité douce et lumineuse.

La cire peut préserver, dissimuler, sceller ou modifier une image. Elle crée une distance physique entre le spectateur et la figure représentée, tout en attirant l'attention sur la présence de l'œuvre d'art en tant qu'objet.

Cette tension entre préservation et dissimulation est fondamentale dans mon intérêt pour ce médium. Supports trouvés et utilitaires.

TOILE ET SACS

Lorsque je travaille avec des matériaux comme d'anciens sacs de café, je laisse l'histoire du matériau visible.

Les fibres, les coutures, les irrégularités et les zones usées font partie intégrante de la composition. Ces éléments relient l'œuvre à des notions liées au travail, à la circulation, à la consommation et au déplacement des objets dans le monde.

La coloration de ces surfaces instaure un dialogue entre les matériaux du quotidien et l'imagerie symbolique. L'objet utilitaire devient un espace d'introspection.

Précision et imperfection

Ma démarche combine une représentation figurative détaillée avec une perturbation délibérée.

Je peux construire avec soin les traits d'un visage, puis les perturber à l'aide d'un voile, d'un objet symbolique, d'une fissure, d'une forme géométrique ou d'une couche d'abstraction.

Ce contraste reflète la tension centrale de mon travail : le désir de reconnaître et le besoin d'accepter l'incertitude.

COLLECTE

Vivre avec le travail

Je crois que collectionner de l'art n'est pas seulement un acte d'acquisition. C'est un acte qui consiste à établir une relation à long terme avec une image.

Une œuvre d'art investit un espace, mais elle s'intègre aussi à la vie émotionnelle de celui ou celle qui la côtoie. Au fil du temps, cette relation évolue. Les détails se précisent. Les significations se transforment. L'œuvre se mêle aux souvenirs, aux conversations et aux expériences du quotidien.

Mes tableaux sont conçus pour une interaction prolongée. Ils ne sont pas destinés à être consommés d'un coup. Leurs éléments symboliques, leurs surfaces matérielles et leurs atmosphères stratifiées se révèlent progressivement.

On pourrait dire que mes œuvres sont comme la couverture d'un bon livre : à mesure qu'on la lit, on découvre chaque jour de nouveaux univers, de nouveaux détails. Le grand avantage, c'est que la fin est déterminée par le spectateur, mais aussi par ses multiples relectures et leurs significations infinies.

Mon travail s'adresse aux collectionneurs attirés par :

• Art figuratif contemporain à la profondeur symbolique.

• Surréalisme et imagerie à forte charge psychologique.

• Surfaces texturées et techniques mixtes.

• Les formes humaines et naturelles en cours de transformation.

• Un art ouvert à l'interprétation personnelle.

• Des œuvres qui contribuent à la fois à l'atmosphère et à la présence visuelle de l'espace.

Exposition et ambiance

La présentation idéale dépend de la nature de chaque œuvre.

Les surfaces texturées sont mises en valeur par un éclairage soigneusement maîtrisé qui révèle leur profondeur sans créer de reflets excessifs. Les œuvres aux couleurs sobres s'harmonisent souvent mieux avec des murs aux tons neutres et dans des ambiances sereines, tandis que les pièces aux couleurs plus vives peuvent devenir des points focaux dans les intérieurs contemporains.

Pour moi, la relation entre l'œuvre d'art et l'espace est fondamentale. Un tableau ne doit jamais se contenter d'occuper un mur ; il doit transformer l'atmosphère de la pièce et créer un espace qui capte le regard.

Œuvres originales et éditions

Les œuvres originales conservent la présence physique du matériau : la surface, les couches, les imperfections et les traces laissées lors du processus créatif.

Certaines œuvres seront également disponibles en éditions d'art de haute qualité, mais jamais au format original. Ces éditions permettent à l'image de toucher un public plus large tout en préservant un lien étroit avec l'œuvre originale.

Des informations sur la disponibilité, les dimensions, les matériaux, les éditions et les prix actuels peuvent être fournies sur demande.

Une relation personnelle

J'espère que mon travail acquerra une signification pertinente dans la vie du collectionneur, au-delà de sa fonction décorative.

Chaque tableau véhicule une atmosphère, une interrogation, une tension. Son intégration à une collection marque le début d'un nouveau chapitre. Sa signification ne dépend plus uniquement de mon intention initiale, mais aussi des souvenirs et des réflexions qu'il suscite dans son nouvel environnement.

Collectionner une ou plusieurs de mes œuvres, c'est vivre avec une image ouverte, capable d'évoluer au gré des changements du spectateur.

CONTACT

Entamez une conversation

Je suis ouvert à la discussion avec les collectionneurs, les galeries, les conservateurs, les designers, les institutions et toute personne intéressée à en savoir plus sur mon travail.

Pour toute information concernant les œuvres originales disponibles, les éditions, les expositions, les collaborations ou les commandes, veuillez me contacter.

Je m'intéresse particulièrement aux projets qui explorent l'art figuratif contemporain, le surréalisme, le symbolisme, les techniques mixtes, l'identité, le corps humain et la relation entre l'humanité et la nature.

Consultations

Lorsque vous me contactez au sujet d'une œuvre, veuillez inclure :

• Le titre de l'œuvre.

• Son emplacement.

• Si vous êtes intéressé par une œuvre originale ou une édition.

• Pour toute question concernant les dimensions, les matériaux, l'expédition ou la présentation.

• Le contexte prévu pour l’œuvre, le cas échéant.

Nous serons ravis de vous fournir davantage d'informations et de discuter de vos options.

Réflexion finale

Mon travail est une invitation à faire une pause, à observer attentivement et à rester ouvert à l'incertitude.

Si l'une de mes peintures éveille en vous un sentiment de reconnaissance, de malaise, de curiosité ou de réflexion sereine, le dialogue a déjà commencé.