MEIN  KÜNSTLERISCHES  SELBSTVERSTÄNDNIS, SYMBOLIK,  PHILOSOPHIE  UND  TECHNIK

ENRIC AROMÍ-MASRIERA

Zwischen dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren

Meine Arbeit erforscht das unsichere Terrain, in dem der menschliche Körper auf Natur, Erinnerung, Symbolik und Transformation trifft.

Ich arbeite hauptsächlich mit Malerei, Zeichnung, Collage und Mischtechniken, um Figuren zu erschaffen, die zwischen Realität und Traum existieren. Gelegentlich zieht es mich jedoch auch zur Bildhauerei und Literatur.

Meine Bilder sind bevölkert von Körpern, die sich zersetzen, verschmelzen, verschwinden oder sich mit Eiern, Blumen, Muscheln, Fischen, Vögeln, Kraken, Ameisen, Bienen, Milch, Honig verflechten…

Diese Elemente sind nicht bloß dekorativ; sie fungieren als Symbole für Identität, Verletzlichkeit, Bewusstsein, Instinkt und Wandel.

Mich interessiert der Körper als Schwelle: eine sichtbare Oberfläche, durch die unsichtbare Erfahrungen stattfinden. In meinen Arbeiten ist die menschliche Figur niemals völlig statisch.

Es verwandelt sich immer wieder in etwas anderes: Etwas Zerbrechlicheres, etwas Geheimnisvolleres oder etwas, das tiefer mit der Natur verbunden ist.

Meine Gemälde laden den Betrachter ein, innezuhalten, hinter die Fassade zu blicken und einen Raum zu betreten, in dem Schönheit Unbehagen beinhalten, Verletzlichkeit Stärke ausdrücken und Identität offen bleiben kann.

ÜBER MICH

Meine künstlerische Karriere

Ich bin eine in Katalonien, in der Nähe von Barcelona, ​​geborene bildende Künstlerin, deren Werk die Grenze zwischen der menschlichen Gestalt und dem Surrealismus erforscht.

Ich habe mich schon immer zu Bildern hingezogen gefühlt, die mehrere Realitäten gleichzeitig beinhalten: das Sichtbare und das Verborgene, das Physische und das Psychische, das Intime und das Universelle. Meine künstlerische Praxis entstand aus dem Wunsch, diese Widersprüche durch den Körper, die Natur und die materielle Oberfläche des Kunstwerks zu erforschen.

Meine Arbeiten umfassen Aquarell, Acryl, Tusche, Graphit, Wachs, Airbrush, Enkaustik, Sprühfarbe, Collage und Mischtechniken, mitunter auch eine von mir 2001 entwickelte Technik namens „Gelopaint“, die auf den Farbgelatinen der analogen Fotografie basiert. Ich nutze diese unterschiedlichen Ansätze nicht als voneinander getrennte Kategorien, sondern als sich ergänzende Ausdrucksmittel. Jede Technik ermöglicht es mir, eine andere Dimension der Erfahrung zu erkunden: Präzision, Atmosphäre, Vergänglichkeit, Transparenz, Dichte oder Bewegung.

Die menschliche Gestalt steht weiterhin im Mittelpunkt meiner künstlerischen Praxis. Ich betrachte sie jedoch nicht als abgeschlossene oder endgültige Form. Der Körper ist ein Feld der Erinnerung und der Transformation. Er kann zu einer Landschaft, einer Muschel, einer Blume, einem Oktopus, einem Fisch, einem Fragment oder einem Tor zu einer unbekannten inneren Welt werden.

Ich bin in Katalonien aufgewachsen und war umgeben von einer reichen künstlerischen Tradition, sowohl gesellschaftlich als auch familiär geprägt, in der Körper, Symbolik, Spiritualität und Materialität stets eine wichtige Rolle spielten. Meine Arbeit knüpft an diese Traditionen an und entwickelt sich gleichzeitig zu einer zeitgenössischen Bildsprache, die von Surrealismus, Mixed Media, psychologischer Symbolik und den Ausdrucksmöglichkeiten von Texturen bestimmt wird.

Ich schaffe Bilder, die bewusst Interpretationsspielraum lassen. Ich möchte nicht alles innerhalb des Bildausschnitts erzählen. Ich lasse lieber Raum für Mehrdeutigkeit, denn so kann der Betrachter tiefer in das Werk eintauchen und es mit seinen eigenen Erinnerungen, Gefühlen und Fragen verbinden.

PHILOSOPHIE

Der weibliche Körper als Schwelle

Der weibliche Körper ist das erste Territorium, das wir bewohnen, und die erste Sprache, durch die wir die Welt erfahren.

Bevor Identität zu einer Idee wird, ist sie eine körperliche Empfindung. Wir entdecken uns selbst durch unsere Haut, Bewegung, Verletzlichkeit, Berührung, Grenzen und Sehnsüchte. Deshalb ist der Körper in meinen Arbeiten niemals bloß anatomisch; er trägt Erinnerung, Spannung, Stille, Widerstand, die Möglichkeit von Veränderung und Weiterentwicklung in sich.

Meine Figuren befinden sich in einem Zwischenzustand. Sie sind weder gänzlich realistisch noch gänzlich imaginär. Sie sind präsent, aber nie vollständig zugänglich. Ihre Gesichter können verborgen, fragmentiert, verhüllt oder verwandelt erscheinen. Ihre Körper können mit organischen Formen verschmelzen oder sich in der umgebenden Atmosphäre auflösen.

Anhand dieser Bilder erforsche ich Identität als etwas Instabiles und sich ständig Veränderndes. Ich glaube nicht, dass wir durch ein einziges, unveränderliches Bild von uns selbst definiert werden. Wir werden vielmehr durch Schichten von Erfahrung, Erinnerung, Widersprüchen, Verlust, Sehnsucht und Fantasie geformt.

Realität und Traum

Der Surrealismus erlaubt es mir, das darzustellen, was nicht direkt gesehen werden kann.

Die unmöglichen Elemente in meinen Gemälden sollen nicht der Realität entfliehen. Sie sind vielmehr ein Mittel, emotionale Wahrheiten zu offenbaren, die der Realismus allein nicht immer ausdrücken kann. Ein Ei, eine Eierschale, eine Blume, ein Vogel oder ein Oktopus können zu einem psychologischen Objekt werden: einem Bild, durch das die innere Welt sichtbar wird.

Meine Bildsprache entsteht aus der Begegnung von erkennbaren Formen und unmöglichen Beziehungen. Ich füge vertraute Objekte in unerwartete Kontexte ein, um ihre gewohnte Bedeutung aufzubrechen und sie für neue Interpretationen zu öffnen.

Natur und die menschliche Gestalt.

Die Natur erscheint in meinen Arbeiten als aktive Kraft und nicht als passive Kulisse.

Blumen, Insekten, Fische, Vögel, Eier, Früchte und Meereslebewesen werden zu Erweiterungen des menschlichen Körpers und Bewusstseins. Sie legen nahe, dass die menschliche Identität nicht isoliert, sondern mit größeren organischen Systemen verbunden ist.

Der Oktopus beispielsweise kann Intelligenz, Anpassungsfähigkeit, Instinkt, Geheimnisvolles und Unbekanntes symbolisieren, aber auch die Vielschichtigkeit der heutigen Gesellschaft mit ihren einflussreichen und oft aggressiven Scheren. Das Ei kann Ursprung, Zerbrechlichkeit, Nahrung oder Potenzial andeuten, aber auch Anfänge, Fortschritt, Intelligenz und den Willen, etwas Größeres zu erschaffen. Ich beziehe es oft als Urgehirnzelle mit ein. Blumen können von Schönheit, Erneuerung, Verletzlichkeit, aber auch von Vergänglichkeit sprechen.

Diese Symbole haben keine feste Bedeutung. Ihre Bedeutung variiert je nach Kontext meiner Werke, um die Interpretation jedes Betrachters zu lenken.

Anwesenheit und Abwesenheit

Mich interessiert sehr, was gezeigt wird und was verborgen bleibt.

Ein verschwommenes Gesicht, ein verschleierter Blick, ein fragmentierter Körper oder eine von Rissen gezeichnete Oberfläche können die Instabilität von Identität und Erinnerung andeuten. Was ich auslasse oder was im Bild fehlt, ist ebenso wichtig, wenn nicht sogar wichtiger, als das, was deutlich sichtbar bleibt.

Diese Spannung zwischen Präsenz und Abwesenheit ermöglicht es dem Werk, offen zu bleiben. Sie schafft einen Raum, in dem der Betrachter nicht nur zum Beobachten, sondern auch zur Teilnahme, zur Interpretation und zum freiwilligen Betreten einer Welt eingeladen ist, die er sonst vielleicht nie betreten hätte.

ARBEITEN

Eine visuelle Sprache der Transformation

Meine Arbeit dreht sich um die menschliche Figur, geht aber über die traditionelle Porträtmalerei hinaus.

Ich erschaffe Figuren, die zwischen den Welten existieren: Mensch und Tier, Körper und Landschaft, Realität und Traum, Verletzlichkeit und Stärke. Diese Transformationen sind nicht bloß formale Experimente; sie spiegeln wider, wie sich Identität im Laufe der Zeit verändert und wie innere Erfahrung oft das äußere Erscheinungsbild übersteigt.

Meine Arbeiten verbinden figurative Klarheit mit surrealen Brüchen. Ein präzise gezeichnetes Gesicht kann neben einem unmöglichen Objekt existieren. Ein realistischer Körper kann aus einer beschädigten oder abstrakten Oberfläche hervortreten. Ein gelassener Ausdruck kann von Symbolen umgeben sein, die Unsicherheit erzeugen.

Dieses Verhältnis zwischen Präzision und Mehrdeutigkeit ist zentral für meine Praxis.

Wiederkehrende Gründe

Bestimmte Themen tauchen in meinem Werk immer wieder auf:

• Eier und Eierschalen als Symbole für Ursprung, Zerbrechlichkeit, Nahrung und Potenzial.

• Oktopusse als Sinnbild für Intelligenz, Anpassungsfähigkeit, Geheimnis, emotionale Tiefe und absolute Manipulation.

• Blumen und Blütenblätter als Symbole für Schönheit, Transformation, Erneuerung und Vergänglichkeit.

• Eierschalen als Orte des Schutzes, der Geborgenheit, der Geburt und der Selbstreflexion.

• Schleier und Augenbinden als Metaphern für Verbergen, Wahrnehmung, Privatsphäre und veränderte Sicht.

• Vögel als Symbole für Freiheit, Kommunikation und Instinkt.

• Wasser- und Meeresbilder als Repräsentationen des Unbewussten und der emotionalen Tiefe.

• Risse und abgenutzte Oberflächen als Zeugen des Zeitablaufs, der Erinnerung und der Widerstandsfähigkeit.

• Geometrische Formen als Zeichen von Struktur, Fragmentierung und der Systeme, die die Identität prägen.

Schönheit und Rastlosigkeit

Mich interessiert der Moment, in dem sich Schönheit in etwas Komplexeres verwandelt.

Eine harmonische Farbpalette kann ein beunruhigendes Symbol enthalten. Eine zarte Figur kann in einer unmöglichen Umgebung platziert sein. Ein gelassener Gesichtsausdruck kann eine unauflösliche innere Spannung andeuten.

Ich möchte nicht, dass meine Arbeit nur visuelles Vergnügen bietet. Ich möchte, dass Schönheit ein Tor zur Reflexion öffnet. Der erste Eindruck mag sinnlich, elegant oder traumhaft sein, doch dahinter verbirgt sich oft eine Frage nach Identität, Wahrnehmung, Erinnerung oder der Zerbrechlichkeit des Daseins.

Die Rolle des Zuschauers

Ich habe niemals die Absicht, dem Betrachter eine einzige Interpretation aufzuzwingen.

Meine Absicht ist es, Bilder zu schaffen, die in der Vorstellungskraft fortleben. Das Werk vollendet sich durch die Begegnung seiner Bildsprache mit der persönlichen Erfahrung des Betrachters.

Jeder Mensch verbindet mit dem Bild unterschiedliche Erinnerungen, Ängste, Sehnsüchte oder symbolische Assoziationen. Daher glaube ich, dass Mehrdeutigkeit kein Mangel an Klarheit ist, sondern vielmehr eine Form der Großzügigkeit: Sie bietet dem Betrachter Raum, sich intensiv mit dem Werk auseinanderzusetzen.

SERIE

*Verbundene Welten

Meine Serien sind keine isolierten Projekte. Sie bilden ein Gefüge aus wiederkehrenden Ideen, Motiven und emotionalen Zuständen.

Dieselbe Symbolik kann in verschiedenen Werken vorkommen, doch ihre Bedeutung ändert sich je nach ihrer Beziehung zur Figur, zur Oberfläche und zur umgebenden Atmosphäre. Ein wiederkehrendes Motiv ist nie exakt gleich; es entwickelt sich weiter.

*Surrealistische figurative Werke

Diese Werkgruppe konzentriert sich auf die Transformation der menschlichen Figur durch unerwartete symbolische Elemente.

Eier, Vögel, Kraken, Muscheln, Blumen und andere organische Formen stören das traditionelle Bild und schaffen einen Dialog zwischen dem Menschen und dem Unbekannten.

Werke, die sich mit Identität, Wahrnehmung, Verletzlichkeit und der Spannung zwischen dem Körper, den wir erkennen, und dem inneren Selbst, das geheimnisvoll bleibt, auseinandersetzen.

*Das Ei und die Figur

In dieser Werkgruppe wird das Ei zu einem wiederkehrenden Symbol für Potenzialität, Ursprung, Zerbrechlichkeit, Nahrung, Transformation und oft auch für das ursprüngliche Implantat von Intelligenz und Bewusstsein, das uns bei der Geburt verliehen wird.

Manchmal ersetzt es den Kopf. Manchmal bedeckt es die Augen. Manchmal scheint es über das Gesicht zu fließen oder über dem Körper zu schweben.

Indem ich das Ei in das Porträt einfüge, hinterfrage ich die Stabilität der Identität und das Verhältnis zwischen Denken, Körper und materieller Existenz. Das Ei ist zugleich alltäglich und symbolisch, intim und fremd.

*Meeres- und Oktopuswerke

Die maritimen Werke erforschen die Beziehung zwischen dem menschlichen Körper und den Tiefen des Unbekannten.

Der Oktopus erscheint als intelligentes, anpassungsfähiges, instinktives und geheimnisvolles Wesen, aber auch als Sinnbild für die sozialen Elemente, die unser Leben prägen. Seine Tentakel können schützen, verbergen, umarmen oder die Person einhüllen. Das Meer wird zur Metapher für das Unbewusste: einen inneren Raum, in dem Gedanken, Erinnerungen und Gefühle unter der sichtbaren Oberfläche wirken.

Diese Gemälde reflektieren die Fluidität der Identität und die Möglichkeit, dass das Unbekannte nicht außerhalb von uns liegt, sondern bereits Teil dessen ist, wer wir sind.

*Verschleierte und fragmentierte Figuren

Diese Serie untersucht Verschleierung, Anonymität, Erinnerung und die Instabilität des sichtbaren Selbst.

Schleier, Augenbinden, verschwommene Gesichtszüge, geometrische Überlagerungen und sich auflösende Konturen stören die traditionelle Funktion der Porträtmalerei. Die Figur bleibt erkennbar, doch die individuelle Identität wird nie vollständig enthüllt.

Diese Werke werfen Fragen auf: Wie viel von uns geben wir preis, wie viel bleibt vor anderen verborgen, und kann Identität ohne ein festes Bild überhaupt existieren? Ätherische und atmosphärische Figuren

In diesen Werken taucht die menschliche Gestalt aus Nebel, Schatten, Licht oder abstrakten Oberflächen auf.

Der Körper wird weniger fest und mehr atmosphärisch. Er scheint zwischen Erinnerung und Gegenwart, Traum und Abend, Materialität und Verschwinden zu existieren.

Ich verwende verschwommene Konturen und zurückhaltende Farbpaletten, um Bilder zu schaffen, die zu stiller Kontemplation einladen. Diese Arbeiten konzentrieren sich weniger auf die Erzählung als vielmehr auf das emotionale Empfinden, sich in einem ungewissen Raum aufzuhalten.

Landschaften und natürliche Formen

Meine Landschaftsbilder und Arbeiten mit Naturmotiven erweitern die allgemeinen Anliegen meiner figurativen Praxis.

Bäume, Wasser, Blumen, organische Formen und abstrakte Naturlandschaften werden zu Meditationen über Zeit, Erinnerung, Zerbrechlichkeit und Kontinuität. Die Natur wird als lebendiges Archiv präsentiert: ein Element, das Spuren der Transformation bewahrt und den Wandel überdauert.

TECHNIK

Material als Bedeutung

Mein Vorgehen beginnt mit dem Interesse an der Oberfläche des Materials.

Ich verwende Acrylfarbe, Airbrush, Sprühfarbe, Aquarell, Graphit, Tusche, Collage und Mischtechniken. Diese Techniken erlauben es mir, zwischen Kontrolle und Zufall, Präzision und Vergänglichkeit, Weichheit und Widerstand zu wechseln.

Ich betrachte Technik nicht als vom Sinn getrennt. Die physische Beschaffenheit der Oberfläche trägt unmittelbar zur emotionalen und philosophischen Dimension jedes Werkes bei.

Ebenenüberlagerung

Ich baue meine Bilder aus mehreren Ebenen auf.

Manche Schichten sind transparent und stimmungsvoll. Andere sind rau, abgeschabt, zerkratzt oder teilweise abgetragen. Durch diesen Prozess behält das Bild einen Hauch von Geschichte, als ob es ständig neu gestaltet und überarbeitet würde.

Die Schichtung von Erinnerungen spiegelt auch die Funktionsweise des Gedächtnisses wider. Wir erinnern uns nicht in perfekt geordneter Weise. Bilder überlagern sich, verschwinden, kehren zurück und verändern sich je nach Zeit und Stimmung.

Textur

Textur schafft einen Dialog zwischen dem Visuellen und dem Physischen.

Eine glatte Fläche kann Haut, Stille oder Verletzlichkeit suggerieren. Eine raue Fläche kann Erinnerung, Erosion oder Widerstandsfähigkeit hervorrufen. Risse und Abriebstellen durchbrechen die Illusion eines stabilen Bildes und erinnern den Betrachter daran, dass das Werk gleichzeitig Repräsentation und Objekt ist.

Die Oberfläche wird zu einem Zeitdokument. Sie zeigt nicht nur, was das Bild darstellt, sondern auch etwas darüber, wie es entstanden ist.

Airbrush, Aerosole und Diffusion

Sie ermöglichen es mir, sanfte Übergänge, atmosphärische Effekte und ein Gefühl der Auflösung zu erzeugen.

Ich nutze Diffusion, um die Grenze zwischen der Figur und ihrer Umgebung zu verwischen. Dadurch wirkt der Körper, als ob er aus dem umgebenden Raum hervortritt oder in ihn zurückkehrt.

Das Fehlen klar definierter Konturen legt eine eher psychologische Interpretation nahe. Die Figur ist nicht einfach in einer physischen Umgebung verortet; sie scheint in einer emotionalen oder metaphysischen Sphäre zu existieren.

Tinte, Wachse und Oberflächentiefe

Die Tinte verleiht dem Ganzen eine sanfte, leuchtende Qualität.

Wachse können ein Bild konservieren, verbergen, versiegeln oder verändern. Sie schaffen eine physische Distanz zwischen dem Betrachter und der dargestellten Figur und lenken gleichzeitig die Aufmerksamkeit auf die Präsenz des Kunstwerks als Objekt.

Diese Spannung zwischen Bewahrung und Verbergen ist grundlegend für mein Interesse an diesem Medium. Gefundene und utilitaristische Träger.

LEINWAND UND SÄCKE

Wenn ich mit Materialien wie originalen Kaffeesäcken arbeite, lasse ich die Geschichte des Materials sichtbar.

Die Fasern, Nähte, Unregelmäßigkeiten und Abnutzungsspuren werden Teil der Komposition. Diese Elemente verknüpfen das Werk mit Ideen rund um Arbeit, Kreislauf, Konsum und die Bewegung von Objekten in der Welt.

Die Farbgebung dieser Oberflächen schafft einen Dialog zwischen alltäglichen Materialien und symbolischer Bildsprache. Der Gebrauchsgegenstand wird so zum Raum der Selbstreflexion.

Präzision und Unvollkommenheit

Mein Verfahren verbindet detaillierte figurative Darstellung mit bewusster Irritation.

Ich kann die Gesichtszüge sorgfältig gestalten und sie dann durch einen Schleier, ein symbolisches Objekt, einen Riss, eine geometrische Form oder eine Abstraktionsschicht stören.

Dieser Gegensatz spiegelt die zentrale Spannung meiner Arbeit wider: den Wunsch, Unsicherheit zu erkennen, und die Notwendigkeit, sie zu akzeptieren.

SAMMELN

Leben mit der Arbeit

Ich glaube, dass das Sammeln von Kunst nicht nur ein Akt des Erwerbs ist. Es ist ein Akt des Aufbaus einer langfristigen Beziehung zu einem Bild.

Ein Kunstwerk dringt in einen Raum ein, aber auch in das Gefühlsleben des Menschen, der mit ihm lebt. Im Laufe der Zeit entwickelt sich die Beziehung. Details treten deutlicher hervor. Bedeutungen verändern sich. Das Kunstwerk beginnt, mit Erinnerungen, Gesprächen und Alltagserfahrungen einherzugehen.

Meine Gemälde sind für eine anhaltende Auseinandersetzung geschaffen. Sie sollen nicht schnell konsumiert werden. Ihre symbolischen Elemente, Materialoberflächen und vielschichtigen Atmosphären erschließen sich nach und nach.

Man könnte sagen, meine Werke sind wie der Einband eines guten Buches; beim Lesen entdeckt man jeden Tag neue Welten, neue Details. Der große Vorteil ist, dass das Ende vom Betrachter selbst bestimmt wird, aber auch durch wiederholtes Lesen mit seinen unendlichen Interpretationsmöglichkeiten.

Meine Arbeit richtet sich an Sammler, die sich für Folgendes interessieren:

• Zeitgenössische figurative Kunst mit symbolischer Tiefe.

• Surrealismus und Bildsprache mit starker psychologischer Aussagekraft.

• Strukturierte Oberflächen und Mixed-Media-Techniken.

• Menschliche und natürliche Formen im Wandel.

• Kunst ist offen für persönliche Interpretationen.

• Werke, die sowohl zur Atmosphäre als auch zur visuellen Präsenz des Raumes beitragen.

Ausstellung und Atmosphäre

Die ideale Präsentation hängt von der Art des jeweiligen Werkes ab.

Strukturierte Oberflächen profitieren von einer gezielten Beleuchtung, die ihre Tiefe hervorhebt, ohne übermäßige Reflexionen zu erzeugen. Werke in gedeckten Farben wirken oft am besten vor neutralen Wänden und in ruhigen Umgebungen, während Stücke mit intensiveren Farben in modernen Interieurs als Blickfang dienen können.

Die Beziehung zwischen Kunstwerk und Raum ist für mich von grundlegender Bedeutung. Ein Gemälde sollte niemals einfach nur eine Wand einnehmen; es sollte die Atmosphäre des Raumes verändern und einen Raum schaffen, der die Aufmerksamkeit auf sich zieht.

Originalwerke und Ausgaben

Die Originalwerke bewahren die physische Präsenz des Materials: die Oberfläche, die Schichten, die Unvollkommenheiten und die Spuren, die während des kreativen Prozesses entstanden sind.

Ausgewählte Werke werden auch in hochwertigen Kunstdrucken erhältlich sein, jedoch nie in Originalgröße. Diese Editionen ermöglichen es, ein breiteres Publikum zu erreichen und gleichzeitig die enge Verbindung zum Originalkunstwerk zu wahren.

Informationen zu Verfügbarkeit, Abmessungen, Materialien, Ausführungen und aktuellen Preisen erhalten Sie auf Anfrage.

Eine persönliche Beziehung

Ich hoffe, dass meine Arbeit im Leben des Sammlers über ihre dekorative Funktion hinaus eine relevante Bedeutung erlangt.

Jedes Gemälde vermittelt eine Atmosphäre, eine Frage oder eine Spannung. Sobald es Teil einer Sammlung wird, beginnt ein neues Kapitel. Seine Bedeutung hängt dann nicht mehr allein von meiner ursprünglichen Intention ab, sondern auch von den Erinnerungen und Reflexionen, die es in seinem neuen Umfeld hervorruft.

Wer eines oder mehrere meiner Werke sammelt, lebt mit einem offenen Bild, das sich mit dem Betrachter weiterentwickeln kann.

KONTAKT

Beginnen Sie ein Gespräch

Ich bin offen für Gespräche mit Sammlern, Galerien, Kuratoren, Designern, Institutionen und allen, die mehr über meine Arbeit erfahren möchten.

Wenn Sie Informationen über verfügbare Originalwerke, Editionen, Ausstellungen, Kooperationen oder Auftragsarbeiten wünschen, kontaktieren Sie mich bitte.

Ich interessiere mich besonders für Projekte, die sich mit zeitgenössischer figurativer Kunst, Surrealismus, Symbolismus, Mixed Media, Identität, dem menschlichen Körper und der Beziehung zwischen Mensch und Natur auseinandersetzen.

Konsultationen

Wenn Sie mich bezüglich eines Werkes kontaktieren, geben Sie bitte Folgendes an:

• Der Titel des Werkes.

• Seine Lage.

• Wenn Sie an einem Originalwerk oder einer Edition interessiert sind.

• Bei Fragen zu Abmessungen, Materialien, Versand oder Präsentation.

• Der beabsichtigte Kontext der Arbeit, sofern zutreffend.

Es wäre mir eine Freude, Ihnen weitere Informationen zukommen zu lassen und Ihre Möglichkeiten mit Ihnen zu besprechen.

Abschließende Betrachtung

Meine Arbeit ist eine Einladung zum Innehalten, zum genauen Beobachten und dazu, offen für Ungewissheit zu bleiben.

Wenn eines meiner Gemälde ein Gefühl der Wiedererkennung, des Unbehagens, der Neugier oder der stillen Besinnung in Ihnen weckt, hat der Dialog bereits begonnen.